艺术作品中的空间结构,艺术作品中的空间结构是什么

摘要： 大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于艺术作品中的空间结构的问题，于是小编就整理了2个相关介绍艺术作品中的空间结构的解答，让我们一起看看吧。在绘画艺术中，艺术家是如何...

大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于艺术作品中的空间结构的问题，于是小编就整理了2个相关介绍艺术作品中的空间结构的解答，让我们一起看看吧。

1. 在绘画艺术中，艺术家是如何表现画面的虚幻与真实？
2. 坦克的内部构造是什么样的？空间有多大？

在绘画艺术中，艺术家是如何表现画面的虚幻与真实？

人们在欣赏一幅画作时，总会去寻找画作中的“亮点”，目的是为了让自己和画作产生共鸣，谁都不愿意局限在画作表面的欣赏过程中，与其说是欣赏画，倒不如说是在寻找梦境，即便一幅画作可以给人带来强烈的视觉效果，人们也依旧会对画面的虚幻与真实产生好奇心，

那么艺术家是如何表现画面的虚幻和真实的呢？这应该是一个让人脑洞大开的问题了，就先以国画来说吧，由于国画注重“写意”，会让人认为国画就是完全在表现“虚幻”；油画注重“写实”，会让人认为油画也是完全在表现“真实”，或许这样的说法过于笼统、甚至有些牵强，

但从字面上来分析国画的“写意”，意在“似与不似”之间，这无形之中就有虚幻的成分，国画又是以“线”的表现为主，既然不讲究“形象”，那就允许“虚幻”；油画的“写实”，意在“形美神韵”，这就是很真实的一种美，油画强调“空间虚实、体面明暗……”这都是我们生活的世界所有的特征现象，油画贴近“真实”，一点都不夸张，

具体的说，不管是国画作品还是油画作品都有“虚幻与真实”的部分，如果一件作品完全虚幻，那么就没有任何情感可言了，虚无缥缈的东西，让人可望而不可即，从而失去审美价值，同样如果一件作品完全真实，那么就让人感受不到意境了，从而体会不到艺术的愉悦感、神秘感，

上面提到了，国画是以“线”的表现为主，线条是属于平面构图，油画强调“空间立体感”，以素描为基础，所以可以这样理解线条与素描都属于国画和油画真实的那一部分，除此之外都是属于虚幻的，道理很简单，只有先有真实，才会有虚幻，虚幻的有意义，“色彩、光影明暗”都是虚幻。

画面上的“虚幻与真实”是画者在根据创意的构思意识中表现的作者需要。

所谓“虚幻与真实”是相对的对比关系、搭配关系，比如我可以以真实写实的人物主体来对比陪衬虚幻的背景次体（像游戏组画就是这样的），也可以用虚幻错觉的人物主体来对比写实的具象背景次体（像西班牙著名的错觉画家纳兰霍就是以虚幻主体来对比写实背景的次体）。无论用何种方式，只要给欣赏者带来视觉的冲击美感就是成功的作品。

如果有幸遇见真正的大画家指点……大画家们一定会告诉你的是学会对画面处理时的合理放弃！（针对有技术人员讲）

我与我身边的绘画朋友们基本上都喜欢画到七八成就收尾，留下的二三成就是作为”虚”的概念而存在。

如果从绘画技术与技巧来讲的话，我们完全都可以进行深化。为什么选择不深化了呢？

讲的粗俗点叫做留有点“味道”。

这个不完整的”虚”（不深化）真是为了特出主题的“实”。商业画家一般来讲怕别人看不懂，通常会画的面面具到，因为太“实”而画死了。

所以，真正懂画画的人必然是个懂“虚”的人。

绘画艺术中，艺术及如何表现虚实关系？这个问题非常宏大，不仅仅关乎绘画技法、技巧层面的知识体系，更关乎文化形态和审美规范层面的知识，即使写一本书也不容易把这个问题做到自圆其说。在此，我只能从文化理念的层面，简单说说我的看法。

张大千·青绿山水

先说中国画。

中国道家哲学对中国绘画的影响极其深刻，由此，也产生了许多绘画术语，比如，负阴抱阳、知白守黑、密不透风疏可走马，等等，实际上，这些词汇所表达的意蕴，恰恰就是如何处理画面的虚实关系。

齐白石·鱼虾

在中国画中，表达虚幻的场景时，往往是不画出任何形象或颜色，用宣纸的本来面目把它们体现出来，术语中称作“留白”或“布白”，让观者自己去联想，去审美再创作。比如，表现江河流水时，在空白处画出一叶扁舟，观者就知道那里有水。再如，画雪景、山间小路、树干表面、人物服饰表面时，都是画出这些物象的轮廓线，轮廓线中间全是空白。

伦勃朗《沐浴的苏珊娜》

这个问题可以作为研究课题来做，所以不是简单的三言两语能讲清楚的，这里的回答只做抛砖引玉而已，看官们勿深究。这个问题得从东西方两个艺术体系做以分析如下：

1.中国绘画

中国绘画是以中国文化或说中国哲学为指引的审美，阴阳思想在画面上体现的淋漓尽致，毛笔，水墨和宣纸的结合更是锦上添花，所以中国画更适合表现“虚幻”，国画中称为“布白”，如宋代马远的《寒江孤钓图》，便是这方面很好的例子，茫茫江面，一老叟，一小舟，所有的“实”都是在表现“虚”，所有的“虚”都在映衬这“实”，虚实相生，浑然天成。这方面例子不胜枚举。当然不是说中国画不适合表现真实，我们的宋画三矾九染，人物惟妙惟肖，花鸟鱼虫，细致入微，这也是中国画写实的一面。中国画整体上以意为主，都是感受上的真实，和东方审美的真实，技法上线条贯穿始终，皴，泼，写，兼具，随类赋彩，其实是高度概括的艺术形式，比之西方思维更抽象，高度更高。

2.西方绘画

西方绘画在理解上就更容易了，客观和现实的思维使他们的绘画，很早就走了写实路线，这当然也有很多的原因，比如宗教，政治的影响等。尤其是宗教对西方绘画的方向和发展影响巨大。西方绘画对虚和实的表现很明晰，现代主义之前的西方绘画，除了表现各种神，之外就是表现贵族的生活，肖像等。这样一种情况下，作品在构图上***取照相机式的焦点***，情景再现，技法上细腻真实，环境和光影力求还原，似乎都是真实而无虚幻，那虚幻是怎样表现的呢，当然有方法。如达芬奇的著名作品《蒙娜丽莎》，前景人物的刻画写实传神，而背景亦是绵延山水，但二者的结合立马明晰，人物实，背景虚，这就是西方绘画的意境处理，通过对比，来表现虚幻与真实。

西方绘画走进现[_a***_]，那就另当别论了，其中不乏东方艺术的影响，在此不再赘述，只做主要方面分析，以后有机会再呈现于大家。

坦克的内部构造是什么样的？空间有多大？

内部构造相当节省，毕竟是去打仗，不是观光旅游。

早期坦克mark I 型需要8人操作，8个人在不到2米长，2米宽，1.6米高的空间内执行任务，引擎和武器同在一处，加上没有减震和消音装置，甚至武器开火后的硝烟都无法排出，还要忍受50°的车内温度。环境真心不好，车内充满一氧化碳废气、汽油、机油和火药味道，不少乘员在战斗中就晕厥过去。这是坦克刚出现时的状态，毕竟坐在里面“感觉”上不会死掉。

后期坦克随着机动、防护、武器的提升开始为乘员设计单独的区域执行各自的任务。二战时，基本“空间”最宽筹的就是装填手了，毕竟需要“转身”去取***。其次是车长，时不时需要探出身体去车外“观察”敌情（危险系数很大）。最为窝屈的当属驾驶，“坐上去”根本无法回身。

二战后期随着工业水平的进步，“开坦克”逐渐与开汽车相差无几，内部空间人员逐渐固定，分别是驾驶员、通信员、车长、炮手、装弹手5人。区域逐渐成为，底盘驾驶和炮塔操作两个区域。如同家具装修中功能划分一样，这样的划分后，“空间感”显大！实际上，坦克的空间依旧十分狭小。装甲的厚度占据大部分空间，以至于在人员的招募上都有限制身高的要求。

现代坦克的自动化程度超越汽车，大量减少人为的干预。因此，舒适的和空间结构非常合理。比如装填手甚至能在车内站起来：

到此，以上就是小编对于艺术作品中的空间结构的问题就介绍到这了，希望介绍关于艺术作品中的空间结构的2点解答对大家有用。